El Color
Vamos a dar algunas pequeñas explicaciones sobre la teoría del color y sobre cómo podemos mezclar los colores para sacar nuevos.
El color se estudia desde hace siglos y las investigaciones han ido variando con el tiempo.
Los colores primarios
Hoy por hoy, podemos decir que existen 3 colores primarios de los cuales partirían el resto de colores que componen el espectro cromático. Decimos que son primarios porque no podemos conseguir esos tonos a través de la mezcla de ningún otro color.
Los tres colores primarios serían el magenta, el azul cian y el amarillo.
Los colores secundarios
De la mezcla de dos de estos colores primaros a partes iguales obtendríamos los llamados colores secundarios:
Magenta+ amarillo = naranja
Magenta + cian= morado
Amarillo + cian = verde
Con la mezcla a partes iguales de los tres colores primarios obtendríamos el negro. Consejo: Al utilizar los colores pigmento, el negro no suele ser completamente puro, a veces obtenemos un color más parecido a un marrón grisáceo oscuro.
El círculo cromático
Existen muchas maneras de ordenar la representación del color pero una de las más fáciles y populares es el círculo cromático.
Este círculo puede tener desde 6 secciones (colores primarios y secundarios) hasta un número infinito de ellas, tantas como matices de colores podemos encontrar. En este caso mostramos un círculo con 12 tonos, donde nos encontramos los colores primarios y justo entre ellos los colores secundarios marcados con un 2. Con un 3 nos encontramos los colores mezclados en desequilibrio. Por ejemplo el color 3 verde azulado se obtendría de la mezcla en mayor cantidad de azul clan con el amarillo en menor cantidad .
Ahora os animamos a que copiéis este círculo con vuestras pinturas en casa. Podéis utilizar cualquier material: acuarelas, lápices de color, tempera.... Eso sí, sólo debéis utilizar los colores primarios para practicar las mezclas. ¡No vale hacer trampas! ;)
Si no tenéis un compás con una lata redonda o cualquier cosa circular que tengáis en casa podéis crear la estructura para vuestro círculo cromático, pero por si acaso no queréis buscar os dejamos aquí este círculo imprimible. ¡Os animamos a que nos compartáis en los comentarios si lo hacéis!
Vuestras aportaciones
La temperatura del color
La temperatura del color es la sensación térmica subjetiva con la que se percibe un determinado color. En base a la temperatura del color, se suele agrupar tradicionalmente los colores en dos grupos opuestos, dentro del círculo cromático: los colores cálidos y fríos.
A estos grupos de colores cálidos y fríos se les atribuyen una serie de asociaciones psicológicas y efectos visuales que contrastan y se complementan.
Los colores cálidos son activos y estimulan al espectador. Transmiten calor, confort, energía y alegría. Los colores fríos causan los efectos contrarios: frío, pasividad, tranquilidad, tristeza, retroceso, lejanía, desvanecimiento... Los colores cálidos son más llamativos y dinámicos. Se expanden y parecen avanzar hacia el espectador.
Colores complementarios
Un color complementario es aquel que produce el mayor contraste de tono con respecto a otro color. Cuanto más alejados en el circulo cromático estén los dos colores, mayor será el contraste.
En un círculo cromático son colores complementarios entre sí los colores situados en lugares opuestos; aquella pareja de colores que se puede unir al trazar una línea recta que pase por el centro del círculo.
Para entender el efecto complementario de los colores prueba a fijar la mirada en una superficie de un color plano y saturado durante al menos treinta segundos y a continuación mira una superficie blanca plana como pueda ser un folio o una pared. Verás una ilusión óptica con la misma forma pero en su color complementario, que se produce para compensar la fatiga ocular.
Además, si a un color le añadimos su complementario obtendremos un color pardo y oscuro, cercano al negro, muy interesante para crear sombras.
Os animamos a que hagáis las mezclas de los colores con sus complementarios. Podéis dejar en comentarios fotos de vuestras pruebas.
Os animamos también a que busquéis imágenes en las que aparezcan estos contrastes de complementarios y a que las compartáis con nosotros. Os dejamos esta obra de Matisse como ejemplo. En ella, no solo encontramos contrastes de complementariedad, sino también de temperatura del color.
Vuestras aportaciones
Armonías de color
Como en la música, en el color se utilizan armonías como forma de crear combinaciones cromáticas que nos resulten atractivas. Suelen ser gamas de colores con características comunes. Pueden ser agradables y bellas, pero también pueden ser monótonas y predecibles. Las armonías deben ser investigadas de manera personal y deben buscarse de forma subjetiva, ¡Ahí está el reto y lo interesante del color!
Hoy os mostraremos algunas de las armonías más típicas y utilizadas.
Armonía monocromática
En la armonía monocromática se combinan básicamente matices y valores claros y oscuros de un solo color. El resultado es una imagen sobria y muy uniforme.
Armonía de colores complementarios
En la armonía de colores complementarios se combinan dos colores opuestos en el círculo cromático. La interacción entre colores complementarios hace que estos sean percibidos como más intensos y vibrantes.
Cuando ambos colores están saturados al máximo, el efecto de contraste es más fuerte.
Armonía de triada equidistante
En la armonía de una triada de colores equidistantes se combinan tres colores situados a la misma distancia entre sí dentro del círculo cromático dando lugar a un triángulo equilátero imaginario. En este caso, ninguno de los tres colores se asemeja entre sí en tono.
La armonía de este esquema multicolor reside en mantener las distancias equidistantes entre tonos. Manteniendo esta norma se puede aumentar el número de colores empleados y dar lugar a combinaciones de cuatro (tétrada) o cinco colores equidistantes que formen un cuadrado o pentágono imaginario respectivamente.
Como muchas de las personas que visitáis esta página tenéis relación con el dibujo y la pintura, os animamos a que probéis a realizar alguna obra pictórica teniendo en cuenta estas ideas sobre las armonías y nos enviéis fotos de ellas para poder compartirlas y admirarlas.
Vuestras aportaciones
Contrastes cromáticos de Itten
Johannes Itten (Suiza 1888-1967) fue un diseñador y profesor en la famosa Escuela de Diseño y Arte Bauhaus. Este pintor fue el encargado de dirigir el "Vorkus" o curso preparatorio de los estudios en la Bauhaus.Este novedoso cursointroducía al alumnado en la experimentación con los materiales más diversos y entonces ajenos a las prácticas plásticas: acero, cuerda, material textil, fotografías, madera o cristal.
Itten fue famoso por sus novedosos métodos de aprendizaje del arte, proponiendo ejercicios físicos y de meditación para entrar en un trance creativo.
Este excéntrico creador fuetambién el primero en realizar una teoría sobre los tipos de contrastes posibles que se producen por las diferentes características de los colores.
Diferenció siete tipos de contraste, algunos de ellos los comentamos en la anterior lección: saturación, temperatura, simultaneidad, cantidad, luminosidad, colocación en el círculo cromático y calidad del color.
En esta tabla con colores se puede apreciar cuanto cambia la sensación visual de los pequeños cuadrados de colores según el fondo de color sobre el que están colocados.
Los 7 contrastes de color identificados por Johannes Itten son los siguientes:
1- El contraste de los colores puros.
Saturación de color 100% produce un alto contraste visual. Estos colores no contienen ni una chispa de otro color, ni blanco ni negro, son muy brillantes.
2- Contraste entre color cálido y color frío
Este contraste lo trabajamos en anteriores lecciones, la diferencia de temperatura de cada color aumenta el contraste visual entre ambos.
3. Contraste complementario
Este concepto fue trabajado en lecciones anteriores, es el contraste que crean dos colores opuestos en el círculo cromático, es decir, complementarios
4- Contraste simultáneo
Cuando tenemos un color saturado (sin gris ni blanco) y lo colocamos sobre un gris, en el gris se genera el tono de color complementario al saturado que tenemos. Si tenemos un rojo sobre un gris, se genera una tonalidad azulada sobre el gris (el azul es el complementario). Simultáneo significa que el contraste se genera por estar un color al lado del otro, y siempre hay un efecto entre ambos.
5. Contraste cuantitativo
Tenemos dos colores pero cada uno tiene un área diferente, o tamaño. Por lo que esa diferencia también genera un contraste de cantidad.
6. Contraste claro - oscuro
Yuxtaposición de dos colores con diferente luminosidad o valor tonal.
7. Contraste cualitativo
La calidad del color, si es más o menos saturado, genera que el color sea vivo o al contrario, apagado. Al colocar un color vivo contra uno apagado se genera un contraste visual.
En esta ocasión os animamos a que nos hagáis llegar vuestras obras, utilizando alguno de estos contrastes. El resultado cromático serán obras de gran impacto visual y seguro que no nos dejarán indiferentes!
Vuestras aportaciones
Dibujo en cuarentena semana 1
Después de estas semanas en las que hemos practicado y aprendido sobre el color, queremos acercar el dibujo en su manera más práctica, hacia la creación de nuestro propio cuaderno.
En las próximas actualizaciones iremos proponiendo diferentes temas que abordar en lo que hemos llamado “Dibujo en Cuarentena”. Así mismo os iremos mostrando diferentes ejemplos de dibujantes y dibujantas tanto locales como internacionales.
Os recomendamos que os hagáis con un cuaderno para esta experiencia, pero si no tenéis uno en casa no os preocupéis, podéis utilizar hojas sueltas. Si este es tu primer cuaderno de dibujo te recomendamos que:
• No arranques las hojas de tu cuaderno, convive con los errores ¡intentaremos buscar maneras de solucionarlos! Piensa que forman parte del aprendizaje y a veces nos proporcionan soluciones que de otra manera no hubiésemos hallado.
• No tenemos que reflejarlo TODO, ¡Qué alivio! Debemos localizar las cosas que nos emocionan o nos interesan.
• Empieza a dibujar por una página de en medio, así la “presión” ante el nuevo cuaderno bajará.
A menudo pensamos que si no tenemos un hermoso motivo de creación es imposible obtener un buen dibujo. Si no existe un cielo de atardecer o una hermosa playa no es posible encontrar la inspiración.
En esta entrada os mostraremos que esto no es cierto y que...
¡TODO ES DIBUJABLE!
Esta afirmación es verdad, porque dibujar es observar. El dibujo nos sirve para posar nuestra mirada sobre los objetos de una forma diferente, con una conciencia distinta. El dibujo es capaz de encontrar belleza en las cosas más cotidianas y más humildes.
En estos ejemplos de la dibujante Koosje Koene nos encontramos objetos y estancias cotidianas. ¡Es impresionante encontrar tanta belleza en el dibujo del contenido de su nevera!
Este ejemplo de Carlos Aponte (@carlosvisualdiary) también es muy interesante.
El modelo que ha escogido son simplemente una latas de conservas abiertas, probablemente antes de ir a para a la basura. Pero el dibujante encuentra en ellas un motivo interesante para crear.
Si bien un dibujo es una actividad sensible, donde las líneas se buscan entre ellas, es decir, al plasmar una y no quedar satisfecho o satisfecha, se lleva a cabo otro intento hasta dar con la que acierte; debemos tener en cuenta que conocer algunas herramientas para tomar medidas puede sernos de gran utilidad.
Uno de los mayores problemas que nos encontramos al dibujar cualquier objeto es que su representación nos resulte desproporcionada. La medición puede ayudar en la proporción de los elementos y a que su interrelación sea adecuada.
Para tomar medidas debemos hacerlo con un lápiz o varilla y con el brazo estirado. Deberemos guiñar un ojo para una mejor toma de medidas. Lo que haremos es buscar relaciones entre las partes. Como en este ejemplo, a través del lápiz podemos observar con facilidad como la altura del jarrón es similar a la anchura de los 3 cuencos.
Conocer esta relación entre los objetos ayudará a poder corregir aquellas líneas que de manera intuitiva hemos ido dibujando.
Existen múltiples maneras de relacionarnos con el dibujo, son muchos los caminos gráficos que podemos tomar y muchas las maneras de enfocar un dibujo. Para este primer encuentro con tu cuaderno vamos a proponerte 2 estrategias de dibujo diferentes:
Valoración en blanco y negro.
Para este primer dibujo solamente necesitas un lápiz. Lo que haremos es intentar reducir toda la información que veamos de nuestro modelo a diferentes tonos de grises.
En este extraordinario ejemplo de Lynne Chapman podemos ver como con un simple lápiz consigue un resultado fresco y enérgico de una pose de lo más relajada de su modelo.
Aquí os proponemos otro ejemplo de cómo solucionar este ejercicio:
El fondo como elemento de recorte
La segunda estrategia gráfica que os proponemos es el uso del fondo como elemento de recorte de la figura. Es un tipo de dibujo donde debemos centrarnos en la línea de perfil del objeto o del modelo. Sacaremos todo su potencial creando un efecto de “negativo” es decir, rellenando el fondo podremos dar gran importancia a nuestro objeto.
Ante este modelo, un cactus en una lata de conserva como maceta, veamos como podemos resolverlo como dibujo.
La propuesta de esta semana será realizar al menos dos dibujos utilizando estas dos estrategias gráficas que acabamos de ver, ¡seguro que puedes sacar tiempo para ello! Hacédnoslas llegar y las compartiremos en la página.
A continuación os mostraremos unos cuantos ejemplos que han realizado diferentes dibujantes y dibujantas, muchos de estos ejemplos realizados durante esta cuarentena. Podéis encontrarlos en redes sociales y esperamos que os sirvan para daros ideas y convenceros de que dentro de casa también podemos encontrar motivos para dibujar en las cosas más pequeñas.
Vuestras aportaciones
Dibujo en cuarentena semana 02
Desde mi ventana: Lo que puedo dibujar desde ella.
En esta semana os proponemos que aunque no podamos dibujar en la calle sí podemos dibujar lo que vemos de ella.
Las ventanas se han convertido en un elemento muy importante en esta cuarentena.
Seguro que muchos y muchas las utilizáis varias veces al día y aplaudís a las 8 de la tarde y probablemente, esto ha hecho que la relación con las vecinas y vecinos sea más cercana.
Algunas personas en esta situación serán afortunadas y vivirán en lugares rurales, o con un gran jardín y espacios abiertos donde puedan ver bonitos paisajes de fondo. Pero muchas y muchos vivimos en ciudades y vemos bloques de pisos y casas de vecinos frente a nosotros y nosotras.
Veamos cómo dibujar lo que vemos frente a nosotros y en especial cómo plantear una calle.
En general, la arquitectura está llena de líneas paralelas entre sí, algunas de ellas paralelas al suelo y otras perpendiculares a él. Las verticales en general van a mantenerse bastante fieles a lo que vemos, pero las líneas horizontales, dependiendo de la representación que hagamos, dejarán de ser paralelas para tender a fugar en un punto y funcionar en perspectiva.
En la vista frontal, tanto las verticales como las horizontales serán paralelas entre sí. Esta vista será la que encontremos si tenemos una fachada frente a nuestra casa.
Para crear cualquier vista es importante conocer y colocar la línea de horizonte de nuestro dibujo. Esta línea se encuentra a la altura de los ojos, por tanto, será diferente dependiendo de si dibujamos de pie o sentados y sentadas en una silla.
¿Cómo podemos encontrarla? Mirando al frente sin bajar ni subir los ojos. Allá donde vaya nuestra mirada estará la línea de horizonte.
Consejo: Para aseguraros de que no la colocáis ni demasiado alta ni baja es interesante fijarse en si se ve la parte superior de un objeto (el marco de una puerta, de una mesa, de un vaso, o en este caso, del quicio de una ventana) quiere decir que estáis bajando la mirada para verla, y por lo tanto vuestra línea de horizonte cae por encima.
Aquí os dejamos un ejemplo con la línea de horizonte punteada en magenta.
Cuando no tenemos una fachada de manera frontal, es decir, cuando nos asomamos a la ventana ¿Cómo representamos la calle que vemos? De pronto parece que esacallefuera como un túnel.
Todas las líneas horizontales convergen en un mismo punto de fuga, que está a la altura de nuestra línea de horizonte.
Estas líneas son paralelas en la realidad, pero no en la perspectiva. A continuación, veamos un dibujo de una calle en perspectiva.
En este otro ejemplo desde una ventana, se ve que la línea de horizonte está más alta y cómo todas las líneas horizontales de los edificios, así como la acera, ahora convergen en un mismo punto que se encuentra a la altura de la línea de horizonte (roja).
Otra forma de representar la perspectiva es a través de dos puntos de fuga, donde todas las líneas horizontales tenderán a ir hacia dos puntos que se encontrarán en nuestra línea de horizonte. Es importante tener en cuenta que esos dos puntos de fuga no tienen por qué estar representados en nuestro papel, ya que pueden encontrarse mucho más lejos. No obstante, pongamos un ejemplo de este tipo de representación donde se puedan ver todos los elementos que forman parte de esta forma de representar en perspectiva.
Un pequeño esquema de cómo funcionan las líneas horizontales en perspectiva, para que no se nos olvide:
Os proponemos que realicéis una vista desde vuestra ventana de lo que veis realizando en primer lugar un boceto que tenga que ver más con un garabato que con otro tipo de dibujo. No es necesaria una línea depurada y es un momento propicio para tomar medidas, ya que podremos corregir con facilidad. Intentad no trabajar con líneas cerradas. Un boceto es algo inacabado. Suprimid detalles innecesarios y dejad lugar a la imaginación.
Intentad no quedaros en hacer una “fotocopia” de lo que veis, es un dibujo, un diseño nuevo con vuestras propias impresiones. Tampoco es necesario colocar todas las ventanas y todos los ladrillos que vemos, el espectador o espectadora completará en su mente el dibujo. La persona que lo vea debe poder sentir lo que nosotros y nosotras sentimos en ese lugar.
El segundo paso será la hora de entintar. Recordad que no vamos a repasar con tinta, sino que nos quedaremos con las líneas que nos resulten útiles del garabato a lápiz. No os preocupéis si alguna línea recta se tuerce, son preferibles esas pequeñas imperfecciones humanas que las líneas excesivamente perfectas.
Por último, remarcaremos con tinta manchas oscuras que nos proporcionen sombras. Eso nos ayudará a tener una sensación de volumen mucho mayor.
Os mostramos un ejemplo de estas tres fases:
Cuando hayamos practicado este tipo de ejercicios y nos sintamos más cómodos y cómodas os proponemos pasar a hacer algún apunte de la calle directamente con tinta.
Existen muchos tipos de rotuladores en el mercado: calibrados, de punta de fieltro, con punta de pincel… ¡Seguro que alguno tenemos por casa!
Os proponemos algunos ejemplos de otros dibujantes y dibujantas para inspiraros:
El color no es imprescindible para este ejercicio, pero si decidís introducirlo debéis tener en cuenta qué tipo de tinta estáis utilizando ya que algunas son permanentes y otras solubles al agua.
Si utilizáis una tinta soluble al agua y posteriormente, usáis acuarela, probablamente los colores se ensucien al extenderse parte de la tinta.
Aquí tenéis una selección de vistas de calle realizadas por diferentes dibujantes y dibujantas durante la cuarentena.
¡Os animamos a que nos enviéis vuestros dibujos desde la ventana!
Vuestros dibujos
Dibujo en cuarentena semana 03
Lo primero las personas
Haciendo honor al espíritu de esta cuarentena, traemos esta sesión a la que hemos llamado lo primero las personas, porque siempre, las vidas deberían ser colocadas en el centro.
En estos tiempos, la mayoría nos damos cuenta de lo que de verdad importa, echamos de menos cosas pequeñas y nos damos cuenta de que la felicidad se encuentra en pequeños momentos muchas veces rodeados y rodeadas de las personas que queremos.
Quizá convivamos con algunas de ellas, pero a otras muchas nos será imposible verlas por un tiempo sino es por medio de una pantalla. Vamos a realizar una lección dedicada a ellas.
¿Cómo identificamos a una persona respecto a otra? Aunque en definitiva todos los seres humanos en esencia somos muy similares, lo hacemos a través de sus particularidades y diferencias y el primer elemento de diferencia es el rostro.
Por ello,el retratoserá el primer elemento del que hablaremos.
Hay diferentes tipologías de retrato exclusivamente por la colocación de la cabeza.
Si nos encontramos con una imagen de frente veremos que es una de las posiciones en las que tenemos más información del rostro, es por ello que en las fotografías de documentación se exige este tipo de pose, pero perderemos algunas informaciones importantes y son la forma de la nariz y de las orejas por el escorzo en el que se encuentran.
El retrato de perfil es un tipo de retrato que podríamos conseguir casi exclusivamente con una línea de contorno. En este tipo de retrato la información de la forma de la nariz y de las orejas está mucho más expuesta pero por contra, perdemos la información de uno de los lados del rostro.
Existe otra posición muy utilizada a la hora de realizar un retrato y es lo que se denomina tres cuartos. En esta pose la cabeza queda en la mitad de las dos poses anteriores, uno de los perfiles se ve a la perfección y del otro podemos ver la mayor parte, de tal manera que tenemos mucha información de la cabeza de la o el modelo.
Aunque los seres humanos somos por definición individuales y únicos algunas características son intrínsecas a todos y todas. A continuación vamos a mostrar algunas de las proporciones básicas e idealizadas de una cabeza humana. Como comentábamos, esas proporciones cambiarán entre las diferentes personas, pero siempre se encontrarán cerca de estas medidas que nos hablan de la fisionomía humana.
No obstante, no debemos olvidar que un dibujo no es solo una representación de la realidad sino que también es una reinterpretación de la misma. Es por ello que podemos realizar retratos más expresivos, donde ahondar incluso en lo caricaturesco y crear con ello grandes dibujos.
Y ¿cómo comenzamos a dibujar personas? Estamos en una situación ideal para ello. Debemos pensar que en esta situación, pasamos mucho tiempo en casa y llega un momento en que entretenerse es complicado. Retratar a nuestros seres queridos puede ser una buena forma de hacerlo. Intentaremos buscar momentos en los que más o menos puedan estar un rato lo suficientemente largo en la postura que elijamos sobre todo en los primeros intentos, debemos buscar momentos que nos sean propicios.
Podemos dibujarlos y dibujarlas mientras duermen.
Otra opción puede ser leyendo.
También solemos pasar mucho tiempo mirando nuestro teléfono móvil.
Realizando hobbies o actividades donde sea fácil que se concentren.
Por otro lado, si este confinamiento nos ha dejado algo han sido las herramientas virtuales y las videollamadas se han convertido en un método seguro para mantener el contacto con nuestros seres queridos. Por tanto, también debemos tener en cuenta que las videollamadas, tanto individuales como grupales pueden ser un buen momento para el retrato, ya que además parte del trabajo ya está hecho al encontrase el modelo sobre una superficie bidimensional.
Existen múltiples estrategias gráficas para comenzar a crear estos retratos. Vamos a hablar de dos de ellas.
La primera será el uso de la línea de contorno como herramienta de construcción, es decir, la linea será la protagonista y será ella la que construya todo el dibujo de la persona. Veamos varios ejemplos de otros y otras dibujantes:
En estos vemos una línea muy sintética, con muy pocos trazos nos aportan la información fundamental de sus modelos. En cambio, también podemos ver otros ejemplos más naturalistas:
La otra estrategia que proponemos tiene que ver con el uso de la mancha como herramienta de construcción. En este caso lo que estructura el grueso del dibujo no es la línea, ésta se utiliza para enfatizar, pero no es el pilar sobre el que se sustenta el dibujo.
¡Dibujad muchos retratos! El parecido no siempre surge, pero la observación es fundamental para ello y con la práctica el parecido cada vez será mayor y más reconocible. Os animamos a que esta semana dibujemos a las personas que tenemos más cerca y también a aquellas más lejanas y que vemos a través de una pantalla. Utilizaremos estas dos estrategias gráficas de las que hemos hablado y esperamos ver todos los dibujos en la web.
Vuestras propuestas
Dibujo en cuarentena semana 03
#mequedoencasa #dibujoencasa
Aunque tenemos la posibilidad de salir algunas horas de casa seguimos pasando mucho tiempo en ellas y es por ello que vamos a fijarnos en los espacios que habitamos en esta entrada.
Quizá por lo cotidianos que son, nos parecen poco interesantes o que no tienen una chispa para poder crear, pero ¡nada más lejos de la realidad!
Veremos autores y autoras que durante la cuarentena han creado con los medios más cercanos a su alcance. Esto nos demuestra que la pulsión del dibujo es vital e imparable en muchas ocasiones y que podemos encontrar un motivo de creación en los elementos más humildes y cercanos.
La Historia del Arte lo demuestra con ejemplos como:
Las latas que elige Warhol es un tema modesto, son latas de conserva que tenemos en cualquier despensa, sin ningún tipo de artificio por embellecerlas.
En esta obra cumbre del impresionismo el tema es de una cotidianidad absoluta, unas simples manzanas sobre un plato le dan la posibilidad al pintor de crear esta armonía de colores y este trabajo basado en la geometría y en la pureza de las formas.
Este bodegón más contemporáneo de Lapotre no muestra ni siquiera comida rápida, sino los restos, los desperdicios. Aun así, es llamativa la hermosa composición así como el tratamiento de la luz, muy cercano al de obras clásicas.
En nuestro cuaderno podremos también crear con esta misma intención. Hoy proponemos que nuestra mirada y nuestros dibujos se dirijan a nuestros hogares, a las diferentes estancias y objetos que podemos encontrar en ellas.
Vamos a ver dos estrategias gráficas de las que partir así como algunos ejemplos de inspiración.
La línea pura
Esta primera opción puede parecer simple pero no por ello menos interesante y compleja a la vez. La buena síntesis es aquella que con lo mínimo nos explica todo el conjunto. Principalmente, se basará en la línea de contorno de los objetos, siendo muy importante la buena observación.
A ese dibujo de contorno podemos darle ciertos toques de luz y sombra o de color que servirán para crear puntos de interés. Los puntos de interés son aquellos lugares del dibujo a donde queremos dirigir la mirada del espectador o de espectadora.
La sombra como mancha
Ésta es la segunda propuesta gráfica que tenemos. Si hay un elemento que rellena es la masa de sombra. En los siguientes ejemplos veremos el uso de la sombra como elemento para la organización del espacio del dibujo.
En este ejemplo vemos como la sombra es la que explica todos los perfiles de los diferentes objetos, así como da peso a la composición.
En estos ejemplos vemos como a partir de un dibujo de contorno se ha añadido el plano de las sombras para explicar la dirección de la fuente de luz.
Veamos algunos ejemplos de diferentes estancias de la casa y de cómo han ido resolviendo esos dibujos diferentes autores y autoras.
LA COCINA
LA SALA DE ESTAR
Son muy interesantes los pequeños bodegones de objetos que podremos componer.
EL ASEO
Aunque no lo parezca, el aseo ha sido un lugar bastante retratado a lo largo de la Historia del Arte en un género conocido como la Toilette. Parece mentira que de tanta intimidad se pueda sacar un motivo para la creación.
Como la mayoría de los aseos poseen algún espejo o alguna superficie reflectante son un lugar fabuloso para la práctica a la vez del autorretrato.
DORMITORIO
A continuación, vamos a ver el interesante ejercicio de cuarentena de la dibujante Koosje Koene. En él ha escogido un rincón de su sala de estar y ha ido realizando dibujos utilizando diferentes recursos gráficos. El repetir el motivo puede ser de gran utilidad para ir conociendo los distintos procedimientos y herramientas de dibujo. Es una gran manera de encontrar con qué técnicas nos encontramos más cómodos y cómodas.
Os animamos a todos y a todas a llevar a cabo este ejercicio en algún rincón de vuestro hogar y a que busquéis el interés en los aspectos más cotidianos de nuestras casas.
Vuestras aportaciones
Dibujo en cuarentena semana 05
Verde que te quiero verde
Si algo nos está enseñando esta situación de confinamiento es que la naturaleza, si no es atacada directamente por el ser humano, se abre camino. La primavera ha llegado y entre mascarillas las plantas han florecido pese al virus.
Hasta hace muy poco no podíamos salir a disfrutar del monte, del mar y de la naturaleza y nos hemos tenido que conformar con pequeños rincones naturales más cercanos.
Algunas personas tienen la posibilidad de tener cerca pequeños jardines, pero la mayoría intentamos alegrar las estancias en las que vivimos con plantas y flores.
Es por ello, que la entrada de hoy versará sobre las plantas y los elementos vegetales ya que son un motivo de dibujo muy estimulante. Son casi infinitas las variedades de sus colores y de sus formas lo que hace muy importante una buena observación.
Veamos algunas estrategias gráficas que han utilizado los y las dibujantes durante esta cuarentena para acercarse al dibujo de motivos vegetales.
DIBUJO DE LÍNEA DE CONTORNO
En este tipo de propuestas nos ocuparemos exclusivamente de la línea que necesita de una observación fiel para su buen reconocimiento.
En este ejemplo podemos ver cómo se ha ido creando primeramente todo el trabajo del perfil de cada una de las hojas. Podemos observarlo en el hecho de que el sombreado se da en un segundo paso ya que las hojas inferiores quedan planas, sin sombreados
En este ejemplo vamos un paso más allá. Después de obtener un dibujo de contorno añadimos el color. Si nos fijamos, por ejemplo en los pétalos amarillos, podemos ver diferentes tonalidades atendiendo a la dirección de la luz. De esta forma, vemos que no solo se ha coloreado (se ha rellenado con color) sino que se ha construido el volumen a través del color.
Consejo: Para este tipo de ejercicios hay que tener en cuenta que el tipo de tinta que se debe utilizar será permanente al agua, sino corremos en riesgo de ensuciar los colores que utilicemos posteriormente al añadir agua.
En este otro ejemplo, desplegado paso a paso, vemos un trabajo más cercano a la ilustración.
Las suculentas y cactus son unas plantas muy interesantes para dibujar, ya que tienden a ser bastante compactas y a mantener formas muy geométricas y pueden ser un buen comienzo para explorar los motivos vegetales si la persona no se siente con la suficiente confianza.
En este caso la autora construye el dibujo con un rotulador calibrado (permanente al agua) y una paleta de verdes de acuarela que contrasta con los tonos rojizos y marrones en las flores y los tiestos.
DIBUJO DE MANCHA Y LINEA DE CONTORNO
Cuando las herramientas de tinta a nuestra disposición son solubles al agua podemos invertir el proceso de dibujo para evitar que los colores se ensucien.
Este tipo deformas de trabajo implican que la mancha sea la constructora de la forma y es probable que ni siquiera las manchas y las líneas posteriores coincidan, pero no debemos tener miedo a ello. Un cierto desajuste puede aportar vida y movimiento a nuestros dibujos.
MANCHA
Si optamos por este tipo de estrategia donde la protagonista sea la mancha es posible que nos sintamos más libres más libres a la hora de crear, ya que la línea puede aportar seguridad pero también mayor rigidez.
Nuestras plantas deben convertirse en un motivo de creación y no siempre nuestros dibujos deben responder con una fidelidad realista con el referente.
No debemos olvidar que el dibujo es una interpretación de la realidad y que la mirada es subjetiva, por tanto debemos dar libertad a nuestra intuición creativa.
En este dibujo de Celia Burgos vemos cómo el color ha sido utilizado de manera mucho más libre y los hermosos contrastes cromáticos que logra.
Inma Serrano utiliza en sus dibujos tanto aguadas de color como lápices para crear líneas. Es muy interesante la mezcla de ambas técnicas, cómo consigue que convivan en el papel sin desplazarse la una a la otra. Es muy expresiva, a través de diferentes tipos de grafismos nos muestra la variedad de plantas de su terraza.
También podemos entender la mancha como un elemento que nos sirva para componer sobre el papel. En ese sentido, partir del mundo vegetales mágico por la cantidad de posibilidades que aporta. En este caso os mostramos este ejemplo donde conviven diferentes tipos de hojas de plantas y ramas.
EL COLOR COMO ELEMENTO BASE DE CREACIÓN
También podemos dejarnos llevar por la fuerza del color, por la intuición que emana de él y crear composiciones cargadas de contrastes cromáticos y armonías inventadas.
Joan Léon Garcia es un gran observador de la luz y de cómo incide sobre los objetos y formas que le rodean. Destacar la interpretación de la luz a través del color en estos dibujos.
Si alguna persona no es muy amiga de las plantas y no tiene ninguna en casa os animamos a que no dudéis en intentar hacer este tipo de observación del mundo vegetal a través de la fruta y la verdura.
Encontraremos en ellas hermosas formas naturales que se repiten, otras formas orgánicas, colores brillantes y un montón de texturas.
Este dibujante aprovecha los contrastes de color para crear estos bodegones formados con las frutas y verduras de su cocina. Son muy interesantes los colores que utiliza para componer las zonas de sombras proyectadas.
ACOMPAÑARLO DE LETRAS
Podemos también terminar de crear una hermosa composición de la página a través del texto.
Muchos dibujantes y dibujantas utilizan el diario como una herramienta de registro y combinan palabra y dibujo en ellos.
Habitualmente, son enamorados y enamoradas de las letras, que dedican tanto empeño en el resultado de la grafía como en el del dibujo. Dejamos a continuación un par de ejemplos.
Animaros a dibujar elementos vegetales u hortalizas así tendremos no solo el aliciente de la vista sino del olfato, ¡disfrutemos de la primavera!
Vuestras aportaciones
Dibujo en cuarentena. Semana 06
El diario dibujado: Registro de recuerdos
Durante esta etapa tan complicada, hemos pasado de encontrarnos en casa de manera permanente con pequeñas salidas muy esporádicas para la compra y quehaceres de primera necesidad a comenzar las fases de la llamada Desescalada.
Vamos a centrarnos en cómo podemos organizar toda esa información que hemos ido recogiendo y registrando a través del dibujo. Vamos a hablar del cuaderno o diario dibujado y de las diferentes maneras de abordarlo.
El diario es un elemento donde poder volcar nuestros pensamientos, nuestros deseos y también nuestros temores de una manera muy íntima y por tanto, muy abierta y subjetiva. Puede ser un lugar donde no existan barreras para nuestros sueños o nuestra imaginación.
El cuaderno puede ser un elemento cercano a lo terapéutico. Muchas personas utilizan el diario escrito como una herramienta de autoexpresión, les libera.
Quizá hay otras personas que no somos tan hábiles con las palabras y necesitamos del dibujo para expresarnos. No debemos olvidar que el dibujo es un lenguaje.
También existe la posibilidad de unir ambos lenguajes, lo que puede resultar una combinación muy interesante.
Durante la cuarentena hemos visto a muchas personas en redes sociales q han hecho un registro de la misma, de forma más objetiva, plasmando las realidades que encontraban a su alrededor y de forma más subjetiva, donde explicaban cómo se encontraban y como les afectaba esta situación.
Es de gran interés ver como las y los dibujantes utilizan este medio del diario como un lugar de registro de esta situación inusual.
En el trabajo de esta ilustradora vemos el uso terapéutico del cuaderno, ese lugar donde poder expresar emociones y sentimientos de esta vivencia que ha sido y está siendo en muchas ocasiones.
Destacar la manera en que intercala ambos lenguajes: dibujo y escritura, donde es muy usual encontrar una escritura muy manual, caligráfica, que denota algo más íntimo y personal.
Otras personas han decidido adquirir el compromiso de retratar este confinamiento a través del dibujo con imágenes diarias como hemos podido ir viendo en sus redes sociales. Este tipo de diarios se encuentran más cercanos al registro gráfico.
Joan León Garcia ha recurrido a la observación de la realidad más cercana a él y ha conseguido plasmar en su cuaderno todo tipo de temas: bodegones, flores y plantas, vistas urbanas, interiores…
Algunas personas, cercanas a la corriente del Urban Sketching, no han podido resistirse al dibujo de calle. En esta situación de emergencia ha tenido que ser en esos momentos de colas en los supermercados, ya que era el único momento en que se podía estar parado o parada en la calle.
Esta autora, además de mostrarnos elementos muy comunes de su día a día, pequeños bodegones de la cotidianidad, muestra también su predilección por el lettering, es decir, el dibujo de letras.
Podemos abordar la letra desde múltiples perspectivas, entre otras puede servirnos para transmitir nuestras emociones o registrar comentarios de lo que está dibujado.
No debemos olvidar que la caligrafía no deja de ser el dibujo manual de una letra y como tal, puede comunicar de diferente forma si atendemos a su grafismo. Por tanto, no sólo habrá información en el contenido de las palabras sino en la forma de las mismas.
Es por ello que existen múltiples formas de acercarse a las letras: hay quien la trabaja de manera muy cuidada o quién utiliza su propia caligrafía personal, sin atender en exceso a su “pulcritud”…
Veamos diferentes ejemplos:
Hay dibujantes con un aire muy expresivo, acorde con su dibujo, con una letra rápida, casi de impronta que combina a la perfección con su factura gráfica.
En el siguiente ejemplo vemos una caligrafía muy cuidada y como se sirve del texto para equilibrar una composición con una gran diagonal que cruza desde la parte superior izquierda hacia la esquina inferior derecha de la doble página.
El término lettering significa «dibujar letras». Su tema es el diseño de una frase o de una palabra.
No debe de confundirse con la caligrafía, que sería la escritura manual. Una diferencia entre el lettering y la caligrafía es que ésta es continua, mientras que la composición del lettering es más similar al dibujo, ya que son letras que se adecuan a ese lugar concreto en el que encuentran.
En este dibujo de cuaderno vemos como las “S” han sido modificadas para crear una composición más interesante y crear una relación con las que usa en su propia firma.
También podemos encontrar diferentes tipos de letras combinadas, para buscar jerarquías en las ideas transmitidas.
En el siguiente ejemplo podemos ver el dibujo de una ruina romana. Es interesante el trabajo de lettering de la dibujante que ha utilizado una letra que nos recuerda a las Romanas, vemos una intencionalidad de transmitir a través del dibujo de sus letras.
Los momentos alrededor de una mesa pueden ser un gran momento para dibujar y escribir. Nos dan la posibilidad de dibujar cómodamente sentados y sentadas, de disfrutar de buena compañía y como no, de una sabrosa comida con la que deleitar los sentidos de la vista, del gusto y el olfato, ¡ toda una inspiración!
Es un momento muy recurrido por los y las dibujantes, que utilizan múltiples estrategias gráficas para la representación de estos momento.
No nos gustaría terminar estos planteamientos que hemos ido desarrollando a lo largo de este taller “Dibujo en cuarentena” sin pensar que tras la desescalada llegaremos a la normalidad y, ese cuaderno, que nos ha acompañado durante este tiempo en casa, pueda convertirse en un compañero perenne, que nos acompañe en la calle y en nuestros viajes.
Porque si dibujar es una manera de conocer, viajar, moverse y relacionarse es otra, y son dos actividades que juntas pueden ser francamente valiosas.
El cuaderno de viaje sería ese espacio donde poder volcar todo ese conocimiento y sabiduría adquirida en el camino. Vamos a ver algunos ejemplos de diferentes personas.
Los cuadernos de Enrique Flores son famosos por sus hermosas paletas cromáticas y su síntesis.
Es también interesante el uso que hace en sus dibujos del collage, es decir, cómo pega elementos sobre la superficie del papel que combina con sus trazos.
Alicia Aradilla realizó una vuelta al mundo recogiendo en su cuaderno estampas de los lugares que iba conociendo a través de la acuarela. Sus imágenes suele ir acompañas de anotaciones manuscritas con detalles del lugar.
Por último, nos gustaría finalizar aportando un último consejo. Muchas veces, estamos tan pendientes de que nuestro dibujo se parezca a la realidad que perdemos esa sensación más sensible y creativa de la línea.
¡El desajuste aporta vida!
A veces esos desajustes, esos errores pueden ser muy interesantes, aportan viveza y calidez.
Encontrarnos en situaciones gráficas que no controlamos nos puede volver más creativos y creativas en nuestras soluciones.
Queremos agradeceros la compañía en este viaje por el dibujo y os animamos a seguir con vuestras prácticas gráficas. ¡Hasta pronto!