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"Création artistique" Stage PFCP EPS Proche-Orient

Ce document ressource rassemble les éléments d'un stage PFCP organisé à distance, dans le contexte de confinement lié au Covid-19.

Plan

  1. Définition de la danse de création
  2. Pourquoi proposer la danse de création ?
  3. Fondamentaux de la danse contemporaine
  4. L'évaluation à travers le rôle du spectateur

Définition de la danse de création

Le processus de création se déploie dans l’interaction entre trois éléments, essentiels à la condition artistique :

  • l’œuvre : elle concentre un geste artistique en un objet esthétique ;
  • l’auteur - le compositeur - l’interprète : ils portent chacun spécifiquement la responsabilité de l’œuvre ;
  • le spectateur : il vit une expérience sensible de l’œuvre selon la posture de spectateur qu’il adopte.
Danser, c’est utiliser la motricité au service d’un projet expressif. Se mouvoir et s'émouvoir pour émouvoir.

Dans le cas de la danse contemporaine, il s'agit, avec son corps, d’exprimer des sentiments, des impressions, de mettre en forme ses émotions, ses sensations...

Pourquoi proposer la danse de création ?

  • La dimension artistique fait partie intégrante de la finalité de l'EPS, dans la mesure où elles contribuent à former un citoyen épanoui, cultivé et capable de faire des choix.
  • Les activités artistiques sont porteuses de culture.
  • Ces activités permettent de lutter contre les stéréotypes sociaux ou sexués.
  • Un collégien passe environ 70% de son temps en EPS à pratiquer des activités de performance ou de confrontation (2016).

Enjeux de formation

  • Développer sa motricité : vivre l’expérience sensible du corps en mouvement ; développer une écriture gestuelle personnelle et assumée (affirmer son identité) en lien avec ses ressources ; expérimenter de nouveaux registres de motricité en s’affranchissant des codes et des normes, pratiquer de nouveaux modes de relation au corps de l’autre.
  • Savoir se préparer et s’entraîner : s’approprier les étapes.du.processus afin d’acquérir des méthodes et des outils pour explorer les possibles et développer sa créativité ; faire des choix seul et à plusieurs en gérant la prise de risque affective d’être singulier et de (se) donner à voir ; créer et présenter une composition en apprenant à se connaître.
  • Exercer ses responsabilités individuelles au sein d’un collectif : assumer les rôles d’interprète, de compositeur et de spectateur pour apprendre à agir ensemble au service d’un projet de création collectif partagé, à assumer la singularité de ses propositions et à apprécier de manière constructive celle des autres.
  • Construire durablement sa santé : vivre l’expérience de la création en s’engageant dans un projet et une motricité qui révèlent des choix singuliers ; développer la conscience de soi et l’écoute sensible des autres favorise l’estime de soi et le bien-être des élèves.
  • Accéder au patrimoine culturel : connaître, lire et apprécier les œuvres ou productions artistiques appartenant à différentes cultures permet à l’élève d’interroger le rapport à la norme et de développer un regard critique sur le monde.
"Au cours de l’année de seconde, compte-tenu de la diversité des parcours de formation au collège et de l’hétérogénéité des publics scolaires, les élèves doivent être engagés dans un processus de création artistique."

Compétences abordées au cours de la séquence

Programmer la danse de création c’est viser l’acquisition de compétences liées à quatre registres :

  • Un élève danseur qui mobilise un engagement moteur. L’efficacité motrice est l’utilisation optimale des rapports que le corps entretient avec les différents fondamentaux de la danse que sont l’espace, le temps, l ‘énergie et les autres ; au service du projet expressif.
  • Un élève interprète qui mobilise un engagement émotionnel au service d’une interprétation, d’une expression.
  • Un élève compositeur-chorégraphe qui « écrit » sa phrase chorégraphique.
  • Un élève spectateur qui est attentif à la production de l’autre, qui va émettre une opinion.

Toutes les situations d’apprentissage proposées par l’enseignant doivent viser ces différents registres de compétences qui seront systématiquement évalués.

Danse de création, les fondamentaux

Les fondamentaux de la danse sont au service de l’amélioration de la motricité, elle-même au service du projet expressif et de l’interprétation du danseur.

Les procédés de composition

Les procédés de compostions sont des moyens de faire vivre les fondamentaux pour nourrir le projet expression. Les procédés sont ainsi au service du thème retenu

  • Unisson : même gestuelle en synchronisation parfaite.
  • Canon : tous les danseurs font la même chose en décalage. Le mouvement est ensuite répété.
  • Cascade : un danseur initie un mouvement repris avec un décalage par un autre puis un autre... comme une Hola dans un stade.
  • Miroir : les danseurs réalisent leur phrase face à face, en même temps.
  • Dialogue : deux danseurs ou deux groupes alternent leur phrase (identique ou différente)
  • Symétrie : les danseurs réalisent les mêmes actions par rapport à un plan, un axe, un point.
  • Contrepoint : phrase singulière d'un danseur se démarquant d'un unisson ; cela crée la surprise pour mettre en valeur un danseur.
  • Contagion : partir d’une polyphonie pour réaliser un unisson, un groupe de danseurs absorbe d’autres danseurs qui grossissent le groupe. / Montée en tension, urgence.
  • Refrain : répétition d'une même action ou d'une phrase à des moments différents ; procédé qui rassure, apporte des repères. / Insistance.
  • Accumulation : 2 groupes ont produit une phrase chacun. Chaque groupe danse sa propre phrase puis celle de l’autre. On produit une phrase collective en prenant un geste de l’élève 1 et en lui ajoutant un geste de l’élève 2, puis celui de l’élève 3...
  • Répétition : on reproduit à l’identique une phrase dansée ou un élément de celle-ci (manière d’accentuer un propos, comme un rappel, une obsession). / Renforcement, insistance, parfois jusqu'au malaise
  • Inversion : la phrase est reprise à l’envers : ABCD associée à DCBA phrase : DABC. / Renforce l'idée de développement, suspension du temps, revenir vers le passé, révéler la face cachée des choses.

Merci à Marjolaine pour la suggestion.

La démarche de création

La danse au lycée – Myriam Socié et Katy Louveau

L'évaluation à travers le rôle du spectateur

Les 9 vidéos suivantes sont des propositions d'élèves de la zone. Nous vous proposons de mettre en application ce que nous avons abordé précédemment en évaluant les vidéos suivantes.

Vidéo n°1 / Vidéo n°2 / Vidéo n°3 / Vidéo n°4 / Vidéo n°5 / Vidéo n°6 / Vidéo n°7 / Vidéo n°8

Chef ! La recette !

Vos chorégraphies à distance

Rituels d'entrée et types d'échauffement

Objectif : éveil musculaire et articulaire / Concentration / Attention

1. En cercle ou sur place

  • On ferme les yeux, pieds à plat, et on fait partir le corps devant, derrière, à gauche, à droite, on le fait tourner.
  • Amener la pointe de pied devant/derrière en quatre temps : loin, milieu, loin, retour.
  • Soulever les talons et décoller les plantes de pied pour rester sur les pointes (toucher le ciel avec sa tête) ; accroître le travail de décoller pour finir en sautillés.
  • Monter le genou devant (puis derrière, puis sur les côtés), étendre la jambe dans l’alignement de la cuisse, reposer le pied à terre. (faire l’enchainement à l’envers).
  • Amener le bassin sur le côté gauche, droit, devant et derrière.
  • Amener le menton sur la poitrine, puis la nuque sur le haut du dos ; amener l’oreille gauche sur l’épaule gauche puis inverse.
  • Enrouler la tête, puis le corps de manière à amener les mains près du sol ; s’accroupir en fin de mouvement et garder la position quelques secondes avant de remonter en sens inverse.
  • Etirer le bras gauche sur le côté gauche, puis vers le haut ; étirer le bras droit sur le côté droit, puis vers le haut.
  • Faire remonter la main gauche le long de la cuisse, sur le ventre, sur la poitrine, caresser la joue, étirer le bras vers le plafond, idem avec main droite.
  • Se frotter le ventre, la poitrine, les bras, les jambes, le dos... (tout seul ou à deux).
  • Intégrer dans son déplacement l’action « tourner », l’action « sauter », l’action « balancer »...
  • Intégrer des rencontres corporelles avec d’autres danseurs : on établit un contact avec une partie du corps.

2. En déplacement dans l'espace scénique

ESPACE

  • Construction et appropriation de l’espace : se déplacer dans tout l’espace en marchant, sans toucher les autres ; faire prendre conscience de l’occupation de tout l’espace (notion d’espace vide) ; plus ou moins vite - Vitesse de 0 (immobile) à 10 (marche rapide).
  • Direction : se déplacer dans l’espace ; avancer, reculer, s’arrêter, changer de direction.
  • Mode de déplacement : changer de mode de déplacement à chaque changement de direction ; marcher de manière différente : saccadée, déséquilibrée, heurtée, explosive, lancée, lourd,..., en tournant, en sautant, en rampant, sur 3 appuis.
  • Trajectoire : se déplacer dans l’espace en marchant, sans toucher les autres ; recenser les différentes formes que les élèves connaissent ; se déplacer sur une trajectoire courbe, brisée, en zig-zag, droite...
  • Espace proche : se déplacer dans l’espace en marchant, sans toucher les autres...ne laisser personne entrer dans son espace proche...éviter, contourner.

TEMPS

  • Rapport à la pulsation : repérer au sein de différentes musiques les différentes pulsations (rapport à la notion de temps fort) et marcher selon la pulsation, puis une sur deux, une sur quatre ; mettre en place la notion de pulsation collective (marcher sur le silence, marcher en frappant sa main sur la cuisse...)
  • Éléments de variation : travailler l’accéléré et le ralenti (marcher sur différentes pulsations, faire un mouvement à différentes vitesses, partir du silence jusqu’à la course) et travailler le rapport aux silences (correspondance entre silence corporel et silence sonore) ; construire la notion de durée (repérer les phrases musicales et se déplacer sur ces phrases).

RELATION

  • En fonction de l’espace : Se déplacer dans l’espace en marchant, sans toucher les autres : Veiller à ce que personne n’entre dans son espace proche ; repérer quelqu’un et toujours être proche de lui ou loin ; repérer deux personnes : loin de l’une, proche de l’autre ; se déplacer dans l’espace en marchant, tous s’arrêtent de profil ; construire une forme à plusieurs.
  • En fonction du temps : se déplacer dans l’espace et s’arrêter tous ensemble à l’écoute ; repartir ensemble.
  • Contact / repère visuel et sonore : se déplacer dans l’espace : lorsqu’on croise le regard de quelqu’un, fixer ce regard quelques instants avant de le lâcher Idem, mais lorsque le regard a été accroché, ne plus le quitter et se déplacer en regardant son partenaire ; s’en éloigner, s’en rapprocher sans jamais le lâcher du regard : Au signal, lâcher ce regard et essayer d’en accrocher un autre.
  • En fonction du contact corporel avec l’autre : au hasard des déplacements proposer un contact à un partenaire qui s’arrête quelques instants (image à deux) avant de repartir.

3. En groupe à l'intérieur de l'espace scénique

Le jeu du chef d'orchestre et ses variables

Alternance de déplacements en marche avant et de « pose photos ».

Par groupe de 4 à 6 élèves, un élève dit « chef d’orchestre » mène, guide son groupe sur un temps T ( 2 minutes par exemple) en alternant un déplacement avant et un arrêt sur image ou « pose photo » que doivent reproduire à l’identique et à l’unisson tous les membres du groupe. Chaque élève du groupe passe, par le rôle de chef d’orchestre, sur le même temps T.

Consignes : Avancer sur 8 temps (+ ou -) et maintenir la statue figée sur 3 temps. Varier hauteurs, orientations et émotions (propres à chacun) des statues.

Déplacements uniquement

Consignes : Varier les modes de déplacements ( couru, sauté, rampé…).

  • Jouer sur l’espace : les directions ( à droite, à gauche, devant, derrière, en diagonale…),les orientations (de face, de dos, de profil…) et les hauteurs ( debout, courbé, accroupi, au sol…).
  • Jouer sur le temps : marcher lentement, courir vite, alterner des pas chassés lents et rapides.
  • Jouer sur l’énergie : appuis lourds « comme un ours », délicats « comme des pattes de chat ». Utiliser des images : collant comme un chewing-gum, saccadé un robot, léger comme un nuage…..
  • Cumuler espace, temps et énergie de façon à enrichir le panel des déplacements.

Alternance d’une variété de déplacements et d’une variété de pose-photos.

Consignes : Enchainer sur 8 temps une variété de déplacements ( espace, temps, énergie) et de pose-photos(hauteurs, orientations, émotions….).

4. Travail par binômes

Jeux à privilégier dans une leçon menée sur la thématique : « la relation aux autres ».

  • Le jeu du miroir. Les élèves séparés de 2 à 3 mètres sont répartis sur 2 lignes. Par 2, face à face à environ 2 mètres d’écart, un élève guide, l’autre en face, reproduit les gestes de son camarade à l’identique, comme s’il était face à un miroir.

Consignes pour le meneur : jouer sur espace, temps, énergie / pour le suiveur : se concentrer, suivre les gestes à l’identique.

  • Le jeu de la conversation téléphonique. Les élèves séparés de 2 à 3 mètres sont répartis sur 2 lignes. Par 2 face à face à environ 2 mètres d’écart, un élève commence une discussion (gestuelle) sur un temps T, l’autre lui répond par une gestuelle qui lui est propre.

Consignes : Ne jamais couper la parole. Débuter sa phrase chorégraphique une fois celle de son camarde terminée. Jouer sur espace, temps, énergie.

  • Le jeu des saluts. Les élèves séparés de 2 à 3 mètres sont répartis sur 2 lignes. Par 2 face à face à environ 6 mètres d’écart, les élèves vont avancer , trouver une manière de « se dire bonjour », se croiser pour prendre la place de l’autre.

Consignes : Trouver 4 (par exemple) façons différentes de « se dire bonjour ». Jouer sur les orientations, le temps, l’énergie, les types de contact ( dos, tête, épaule…).

Remarque : ces exemples de jeux utilisés à l’échauffement, mettent en jeu la motricité que l’enseignant va faire évoluer, enrichir en jouant sur les fondamentaux ; l’espace, le temps, l’énergie, la relation aux autres…..et les procédés de composition ( unisson, cascade, dialogue…), ce qui peut constituer l’intégralité d’une leçon. La présentation peut se faire en variant les procédés ( à l’unisson pour le chef d’orchestre, en cascade ou en dialogue par exemple pour les jeux en binôme).

Ces rituels d’entrée permettent donc de se situer dans la logique de la danse : une motricité au service d’un projet expressif.

Les inducteurs

La musique

On peut l’utiliser à des fins diverses :

  • pour créer un environnement sonore afin de sécuriser les élèves ;
  • pour prélever dans la musique des éléments (timbre, silence, pulsation, intensité, tempo) qui vont permettre à l’élève de construire le mouvement, de danser autrement.

Les élèves peuvent créer leur propre accompagnement (frappés de mains, pieds, voix...) La musique vient enrichir le propos, elle n’en est pas systématiquement à l’initiative.

Le parcours M@gistère vous permis de chacun chacune proposer une musique. Vous retrouverez ci-dessous une playlist qui regroupe l'ensemble de vos propositions.

Démarche d'enseignement

L'enjeu de la démarche d'enseignement est de permettre aux élèves de faire évoluer leur motricité pour la mettre au service d'un projet expressif.

Pour ce faire, on encouragera les élèves à conserver certaines phrases chorégraphiques qu'ils pourront facilement remobiliser. Pour ce faire, le carnet d'entrainement en danse peut être outil particulièrement pertinent.

Ces phrases chorégraphiques pourront être revisitées, transformées, on pourra les faire évoluer en jouant :

  • sur les fondamentaux de la danse (corps, espace, temps, énergie, relation à l’autre, matériel, imaginaire...) ;
  • sur les procédés de composition (combinaison des éléments au niveau individuel et collectif).

Ce qui doit apparaître dans chaque leçon

  • Les règles d’or : porter une tenue adaptée, ne pas parler pendant les mouvements, éviter les gestes parasités, respecter les différents rôles.
  • L’espace (on distingue 2 types d’espaces) : l’espace d’évolution : les élèves évoluent librement ou sous forme guidée, seuls ou en groupe ; l’espace du regard : les élèves sont spectateurs, ils peuvent aussi prélever des informations qu’ils intègreront à leur propre travail
  • Les différents rôles sociaux : danseur-interprète, danse, ose se montrer, communique, s’intègre dans un projet collectif, accepte le regard critique et s’en sert pour progresser, fait passer des émotions ; chorégraphe : compose, propose, et réalise des éléments scénographiques (lumière, son, décor...) ; spectateur : regarde les productions des autres, pose un regard critique à partir de critères objectifs

Les différentes étapes de la leçon

Étape 1 : danser (explorer/enrichir)

  1. Choix d’un inducteur (par l’enseignant)
  2. Entrée dans la danse : exploration. Cette phase démarre par des « rituels d’entrée »
  3. Reprise d’un/des fondamentaux en fonction du projet (corps / espace, temps, poids, énergie)

Étape 2 : composer, mémoriser, transformer

  1. Composer : choix parmi les trouvailles pour enchaîner. L’élève opère des choix en prenant appui sur les procédés de composition à partir des mouvements et/ou de phrases dansées apprises ou crées. Lors de cette phase de composition, des allers retours entre le geste et la mémoire du geste vont permettre par la répétition d’aboutir à l’écriture chorégraphique.
  2. Transformer (seul ou à plusieurs) : des situations vont permettre de mettre en relation la phrase dansée de chacun avec celle des autres, avec l’espace, avec le temps, avec un élément sonore, avec éventuellement un costume, un décor. La transformation peut être individuelle, en duo, trio...

Étape 3 : communiquer. Présentation des propositions. Moment d’écoute, de partage

Construction d'une séquence d'enseignement

L'évaluation

Proposition de référentiel (non validé par l'inspection à l'heure actuelle)

Proposition d'une fiche spectateur

Proposition d'un outil d'évaluation (enseignant)

Proposition d'un carnet d'entrainement

Vous pouvez imprimer ce carnet au format A5 relié pour faciliter la consultation par les élèves. Chaque élève accède à des informations sur les fondamentaux et les procédés de composition et peut consigner, séances après séances, des séquences qu'il souhaite réutiliser. Une fiche spectateur a également été ajoutée pour chaque séance.

Pour aller plus loin...

Retrouvez ici d'autres propositions autour de la danse, traces d'autres stages, ressources vidéos...

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Inclut une image créée par Forest Simon - "untitled image"